Employing traditional construction and industrial materials, such as wood, steel, wool felt and enamel paint, Ricardo Rendón (b. Mexico, 1970) methodically investigates how they interact with each other and their environment, as well as how they can be transformed by means of a calculated artistic intervention. Thanks to this approach, over the years the artist has created a body of work that distinguishes itself for both its intrinsic quality—the result of Rendón's material knowledge and skilled craftmanship—and its intellectual and conceptual character.
The notion of "contained emptiness" fittingly applied to some of Rendón's past projects, which emphasized a process of dematerialization of the matter through the artistic gesture and the passing of time (Paula Braga). Like a sculptor carving into the marble to liberate the envisioned form from the stone still imprisoning it, Rendón cut into different materials to free not only the shape but especially the void constituting it, keeping the debris of such a process as an integral part of the artwork, a subtle yet powerful reminder of the phenomenon described by the Law of conservation of matter: the mass of any object can never be created nor destroyed but only transformed and rearranged.
For his latest series of works included in the exhibition That which is above is like that which is below at Arróniz Arte Contemporáneo gallery in Mexico City, Rendón has kept the focus on the manual work, but this time, rather than attempting to achieve a physically impossible dematerialization of the matter, he has reduced the use of matter to the minimum. The title of the show, a quote lent from Hermes Trismegisto's hermetic text Emerald Tablet, points to the unity and correspondence of all matter—on the Earth and in the universe—its shared behavior and eternal transformation.
In particular, the site-specific installation from the series Somos Constelaciones focuses on the fact that each and every physical body in our universe is affected by gravitation. Employing traditional construction tools such a brass plumb and pulleys inserted into the wall, Rendón capitalizes on the fundamental force discovered by Isaac Newton to keep the steel cable balanced and in tension in order to subdivide an empty black surface symbolizing a cosmic void and to achieve the creation of spatial and geometric objects resembling celestial bodies in a constellation. This work encapsulates Rendón's ambition, as he explains, to "establish a relation with the 'all,' with the stars and the constellations." (Interview with the artist, July 27, 2019).
A similar consideration is also at work in the series Sistemas. Over a wooden panel painted in black—again, an allusion to the universe—the artist has inserted a varying number of pulleys, around which he has then stretched a steel cable in order to create a fragmented three-dimensional drawing following the pattern of imaginary astrological systems. Some circular cut-outs made of yellow felt and placed at the base of the pulleys evoke the stars in the firmament and provide a softer note to the otherwise dominantly rational composition.
To realize Trayectorias, the third and last group of works included in the exhibition, Rendón has invented and built a special pendulum by suspending a perforated weight filled with colored enamel paint to a steel cable attached to the ceiling of his studio. By randomly displacing the pendulum away from the perpendicular position in which it rests and releasing it, Rendón activates the pendulum's oscillating movement. Thus, the restoring force progressively brings the pendulum back to its natural point of equilibrium due to gravity. In this process, the pendulum swings back and forth following a trajectory determined not by the artist himself but by complex mathematical and physical laws, and nevertheless subject to many variables and accidents. The enamel paint drips, apparently randomly, on the stainless steel support placed by the artist underneath the pendulum on top of a rotating table, tracing a rich and fluid drawing of arched and elliptical intersecting lines. Rendón repeated this process three times for each Trayectorias, every time cleaning the pendulum to alternate the use of white, black and yellow enamels. The resulting artworks are abstract compositions characterized by a symbolic palette, the same we encounter in all three series of works presented in the show: the steel mirror-like support reflects the light producing an impression of intangible infinity and continuity we commonly associate with the idea of space; the black stands for the endlessness of the universe and the absence of matter; the white is the sum of all colors and epitomizes the light; while yellow is the color we traditionally use to represent the Sun and other celestial bodies.
The gestural and accidental approach behind Trayectorias and the fact that the color is dripped on the surface of a support laying down horizontally may activate in the viewer witnessing its creating process a comparison with Abstract Expressionism, and especially with the canvases produced by Jackson Pollock during his classical "drip period". However, Rendón's Trayectorias are in the first place born out of an investigation about natural laws and spatial representation and not of an emotional gesture. The movement of the objects (e.g. the pendulum and the steel panel) allows the artist to experiment with different planes of reality, too. It is not just the will to action of the artist but the gravitational force, the rotation of the Earth around its own axes and its revolution around the Sun which lead to the redistribution of matter and, finally, the creation of the artwork.
Rendón's work is an ongoing experiment on matter whose aim is to investigate the world, its scientific and mathematic foundations and how they have a practical influence on our life, perception and ways of seeing. In this sense, his motivation and purpose are not too dissimilar from those shared by many artists once affiliated with the Constructivist movement, the Bauhaus and Concrete art, such as El Lissitzky, László Moholy-Nagy, Josef Albers and Max Bill, all figures Rendón greatly admires and drives inspiration from. Like them, combining art, crafts and technology as well as mathematical observations and an overall interest for experimentation, Rendón exalts the qualities of the materials he works with and seeks beauty in reduction.
In a time dominated by the uncontrolled accumulation and dispersion of waste, that is of matter deprived of its transformative potential and now at risk of destroying the delicate equilibrium of life on our planet, Rendón's art encourages a conscious and functional use of materials and energies.
Text: Valentina Locatelli, Independent Curator, Bern
Empleando materiales tradicionales de construcción e industriales, como madera, acero, fieltro de lana y pintura de esmalte, Ricardo Rendón (b. México, 1970) investiga metódicamente cómo interactúan los materiales entre sí y con su entorno, y cómo pueden transformarse por medio de una intervención artística calculada. Gracias a este enfoque, a lo largo de los años, el artista ha creado un cuerpo de trabajo que se distingue tanto por su calidad intrínseca —el resultado del conocimiento material y la habilidad manual— y su carácter intelectual y conceptual.
La noción de "vacío contenido" se aplica adecuadamente a algunos de los proyectos pasados de Rendón, que enfatizan un proceso de desmaterialización de la materia a través del gesto artístico y el paso del tiempo (Paula Braga). Como un escultor tallando en el mármol para liberar la forma imaginada de la piedra que todavía lo aprisiona, Rendón corta, talla y perfora en diferentes materiales para liberar no solo la forma sino especialmente el vacío que la constituye, manteniendo los escombros de dicho proceso como parte integral de la obra, un recordatorio sutil pero poderoso del fenómeno descrito por la Ley de conservación de la materia: la masa de cualquier objeto no puede crearse o destruirse, sino que se transforma y reorganiza.
Para su última serie de trabajos incluidos en la exposición Lo que está arriba es como lo que está abajo en la galería Arróniz Arte Contemporáneo en la Ciudad de México, Rendón se ha centrado en el trabajo manual, pero esta vez, en lugar de intentar lograr una desmaterialización física de la materia, ha reducido el uso de la materia al mínimo. El título de la exposición, una cita del texto hermético La Tabla Esmeralda de Hermes Trismegistus, apunta hacia la unidad y la correspondencia de toda la materia —en la Tierra y en el universo— su comportamiento compartido y su transformación eterna.
En particular, la instalación de sitio específico de la serie Somos Constelaciones se centra en el hecho de que todos y cada uno de los cuerpos físicos de nuestro universo se ven afectados por la gravitación. Empleando herramientas de construcción tradicionales como una plomada de latón y poleas insertadas en la pared, Rendón aprovecha la fuerza fundamental estudiada por Isaac Newton para mantener el cable de acero equilibrado y en tensión para subdividir una superficie negra vacía que simboliza un vacío cósmico y lograr la creación de objetos espaciales y geométricos que se asemejan a cuerpos celestes en una constelación. Este trabajo resume la ambición de Rendón, como él explica, de "establecer una relación con el 'todo', con las estrellas y las constelaciones" (Entrevista con el artista, 27 de julio de 2019).
Una consideración similar se presenta también en la serie Sistemas. Sobre un panel de madera pintado en negro —una vez más, una alusión al universo— el artista ha insertado un número variable de poleas, alrededor de las cuales se tensiona un cable de acero para crear un dibujo tridimensional fragmentado siguiendo el patrón de sistemas estelares imaginarios. Algunos recortes circulares hechos de fieltro amarillo y colocados en la base de las poleas evocan las estrellas en el firmamento y proporcionan una nota más suave a la dominante composición racional de la serie.
Para realizar Trayectorias, el tercer y último grupo de obras incluidas en la exposición, Rendón ha construido un péndulo especial al suspender del techo de su estudio un plomada perforada llena de pintura de esmalte de colores. Al alejar el péndulo al azar de la posición perpendicular en la que descansa y soltarlo, Rendón activa el movimiento oscilante del péndulo. Por lo tanto, la fuerza restauradora regresa progresivamente el péndulo a su punto natural de equilibrio debido a la gravedad. En este proceso, el péndulo oscila de un lado a otro siguiendo una trayectoria determinada no por el propio artista sino por complejas leyes matemáticas y físicas, y sin embargo sujeta a muchas variables y accidentes. La pintura de esmalte gotea, aparentemente al azar, sobre el soporte de acero inoxidable colocado por el artista debajo del péndulo, trazando un dibujo rico y fluido de líneas de intersección arqueadas y elípticas. Las obras resultantes son composiciones abstractas caracterizadas por una paleta simbólica, la misma que encontramos en las series de obras presentadas en la muestra: el soporte de espejo del acero inoxidable refleja la luz produciendo una impresión de infinito intangible y continuidad que comúnmente asociamos con la idea del espacio; el negro representa la infinitud del universo y la ausencia de materia; el blanco es la suma de todos los colores y personifica la luz; mientras que el amarillo es el color que tradicionalmente usamos para representar el Sol y otros cuerpos celestes.
El enfoque gestual y accidental detrás de Trayectorias y el hecho de que el color gotee en la superficie puede activar en el espectador que presencia su proceso de creación una comparación con el expresionismo abstracto, y especialmente con los lienzos producidos por Jackson Pollock durante su clásico "período de goteo". Sin embargo, los Trayectorias de Rendón nacen de una investigación sobre leyes naturales y representación espacial y no de un gesto emocional. El movimiento de los objetos (por ejemplo, el péndulo y el panel de acero) también permite al artista experimentar con diferentes planos de realidad. No es solo la voluntad de actuar del artista, sino la fuerza gravitacional, la rotación de la Tierra alrededor de su propio eje y su revolución alrededor del Sol lo que conduce a la redistribución de la materia y, finalmente, a la creación de la obra.
El trabajo de Rendón es un experimento continuo sobre la materia cuyo objetivo es investigar el mundo, sus fundamentos científicos y matemáticos y cómo tienen una influencia práctica en nuestra vida, percepción y formas de ver. En este sentido, su motivación y propósito no son muy diferentes de los compartidos por muchos artistas afiliados al movimiento constructivista, la Bauhaus y el arte concreto, como El Lissitzky, László Moholy-Nagy, Josef Albers y Max Bill, figuras admiradas por Rendón de las cuáles obtiene inspiración. Al igual que ellos, combinando arte, artesanía y tecnología, así como observaciones matemáticas y un interés general por la experimentación, Rendón exalta las cualidades de los materiales con los que trabaja y busca la belleza en la reducción.
En una época dominada por la acumulación incontrolada y la dispersión de los desechos, esto es, materia privada de su potencial de transformación y ahora en riesgo de destruir el delicado equilibrio de la vida en nuestro planeta, el trabajo de Rendón fomenta el uso consciente y funcional de materiales y energías.
Texto: Valentina Locatelli, Curadora Independiente, Berna
